Riot Fest Brought the Good Vibes and a Love of Cannabis to Chicago

On day-one of Riot Fest, there was paranoia. Before music-lovers, which the Chicago-based festival attracts alone, entered the festival grounds, many were asking, “What about my legally acquired cannabis?!” I overheard that concern more than once, but those fears were soon laid to rest as festival goers bypassed the lovely security members and enjoyed their vices in a peaceful, three-day celebration of music and community. 

It was truly a celebration, too, with an endearing sense of community. People cared. Not only about quality music and good times, but about each other. Petty arguing and fighting, which are unfortunately common at festivals, were a rare sight, at least for my eyes. When someone was hurt or had a few too many, people helped.

Photo courtesy of Jack Giroux

During a booming set from cannabis enthusiasts Run the Jewels, when a man hit the ground, there was only concern, no laughter. People giving a crap about one another made the music and overall experience of Riot Fest all the more enjoyable. 

A few bands dropped out before the event, including Nine Inch Nails and the Pixies, but the lineup remained stacked. This year, a few of the headliners included Lupe Fiasco, Devo, Slipknot, The Flaming Lips and The Smashing Pumpkins. 

Sometimes must-see acts conflicted in the schedule, but more often than not, all the stages presented variety. Depending on one’s mood on the day, there was a band that would cater to it. After a long day, for example, Lupe Fiasco got the energy raised sky-high. The Chicago native performed “The Cool,” and it ruled. The artist’s voice was as beautiful as it sounds on a record. 

Artists were delighted to be back on stage. Several acts admitted to the crowd they hadn’t performed since the pandemic started. Many, such as Run the Jewels, worried they’d show signs of rust. Not the case. Every artist, except Machine Gun Kelly, brought nothing but joy and their A-game to the festival. 

A bit of clarification: Machine Gun Kelly took a swipe at Slipknot as the band performed on another stage and dedicated the show to one of its founding members, Joey Jordison. Kelly mocked the group. In the end, Slipknot had the last laugh because people were actually talking about their performance the next day, while people just groaned about Kelly.

Every day was an embarrassment of riches in terms of acts to catch. K.Flay was a dominant force on stage. Along with her band, she held nothing back. She was thrilling. Sublime ignited a wave of nostalgia in the audience. 

“I used to smoke weed listening to this in college!” a friend shouted. The Mighty Mighty Bosstones and Living Colour brought it, as well. Those bands have such an infectious on-stage chemistry together. It radiates off the stage and consumes the audience. 

On the more rock side, nobody left Thrice or Taking Back Sunday disappointed. Disappointment was not common at Riot Fest. The massive crowd, which needed to provide proof of vaccination or a negative COVID test to attend, had nothing to complain about. 

Riot Fest
Photo courtesy of Jack Giroux

Shoutout to the attendees, whose phones were not always up and selfies didn’t run rampant. People were respectful of the performances. There was a tangible passion among the crowd there. Everyone, based on my experience, was there for the music alone. 

The audience was maybe at its most rowdy when Run the Jewels hit the stage. The two-man hip hop group, El-P and Killer Mike, have always been known to put on a helluva show. The hype is correct. Their music isn’t even to my taste, but what a fantastic performance the self-admittedly high duo delivered.

Both spontaneous and choreographed, Run the Jewels had an army of music fans on their feet and moving. There were nonstop cheers, especially when Killer Mike said cannabis prohibition needs to stop. He also gave a lovely shout out to his wife in the audience. She, too, was high, Killer Mike noted. 

Riot Fest didn’t stop after the headliners performed. There are late nights after shows to catch around Chicago. I only caught one myself, but it was one worth catching. The feverish punk group from Los Angeles, The Bronx, had my ears ringing in delight at The Cobra Lounge. The band even gave me an excuse to finally put my long hair to good use and bang it around a bit. They hadn’t performed in a long time, but you’d never know it. 

Riot Fest was such an enjoyable experience full of good times that it’s impossible to list off all the damn fine acts that livened up not only the weekend, but the year, for many in attendance. Fever 333, Anti-Flag, Body Count, which is fronted by Iced-T, and many other groups brought nothing but joy to Chicago. This year’s Riot Fest was yet another reminder of why live music is just good for the soul. 

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Bob Dylan – Music, Counterculture, and Cannabis

“But opium and hash and pot–now, those things aren’t drugs. They just bend your mind a little. I think everybody’s mind should be bent once in a while.” – Dylan on Playboy Magazine

The 1960s were a time of incredible music, important political movements and amazing psychedelic drugs. Jimmy Hendrix and the Beatles were doing their thing, the civil rights movement was empowering and acid was being passed around like never before. People were beginning to look into the eyes of the ruling establishment and ask questions. People were beginning to look at the world in a different way.

People were beginning to listen to Bob Dylan. With 95 singles, 12 released albums and an incredible singer-songwriter ability, Dylan is undoubtedly one of the greatest ever. His career spanned over decades and, surprisingly, he’s still alive today. But could he have done it without cannabis? Dylan’s love for cannabis is well documented and, just like many musicians before and after him, he was aware that music and cannabis is the perfect partnership. So let’s take a look at how Dylan and cannabis worked together to create something very special. 

Artists, celebrities, and eclectic types have been using cannabis to enhance their art forms for decades. The counterculture of the 1960s was especially known for this type of progressiveness. For more articles like this one, as well as exclusive deals on flowers, vapes, edibles, and other legal products, make sure to subscribe to The Delta 8 Weekly Newsletter. We’ve got great deals for delta-8 THC along with delta-9 THCTHCVTHCPdelta 10HHCTHC-O, so go ahead, and check out our always-updated selections.

Bob Dylan’s Career 

Bob Dylan was born in 1941 in Minnesota. Back then, his name wasn’t Bob Dylan. It was in fact, Robert Zinnerman. But he changed his name to Bob Dylan after his favourite poet: Dylan Thomas. 

“Do not go gentle into that good night, Old age should burn and rave at close of day; Rage, rage against the dying of the light.”

Perhaps it is this quote from Dylan Thomas’ poem that has kept Dylan alive into his 80s, despite so many musicians around him perishing. 

Bob Dylan had a plethora of idols to choose from when he decided to become a musician, however Elvis was seen to be his favourite. So he picked up a guitar, grew out his hair, and began to play. He began playing folk-music all around his town and it wasn’t until 1961 that he got his big break and signed his first recording contract. However, his first album – named ‘Bob Dylan’ – wasn’t a success. But then came a new figure. Not Bob Dylan; the young inexperienced musician. But instead, Bob Dylan; the political activist. 

Bob Dylan; the Political Activist 

Bob Dylan was inspired by the civil rights movements and the ways in which America was changing. Martin Luther King and Malcolm X were two of many that were leading African Americans in protests against the Jim Crow Laws and the way they were being mistreated in 60s America. The promise to black people in the USA of ‘separate but equal’ was far from the truth. Separation was most definitely occurring, but equality couldn’t have been further from reality.  

Bob Dylan began writing music about what he saw in America. He wrote songs about turmoil, about unrest and, of course, he released his third album in 1964: The Times They Are Changin’. His songwriting was new and refreshing. He filled his songs with so much message and narrative. He was able to insert so many lyrics into his songs, so that each song felt like a story. He played at many music festivals, stood against injustice, and gained huge amounts of popularity.

Bob Dylan Now

Some cynics would say that the best thing to happen for any musician’s popularity is for them to die just after their peak of popularity. However, Dylan didn’t. Unlike the likes of Jeff Buckley, Jimmy Hendrix and Kurt Cobain, Dylan is still living and breathing. Whilst his music is perhaps less relevant than it used to be and his era has definitely been and gone, his legacy will never be forgotten. In addition, the albums and singles he writes now feel like a nostalgic trip to the past rather than a desperate attempt to be relevant again. So whilst Dylan’s voice may not be the same as it once was, and his music not as poignant to some, it’s still an absolute joy to have him around. 

Cannabis & Music 

So the question still sits lingering on everyone’s lips: what’s the connection between cannabis and Dylan? Well, first of all, it’s important to understand the relevance of cannabis in 1960s America as a whole. The truth is, America was a melting pot in the 60s. 

1960s America 

Whilst many images of America in the 60s show hippies, colour and drug-enthused joy, the reality was actually pretty bleak. The Vietnam War was unjustly killing hundreds every day, both Kennedy and Martin Luther King were assassinated, there was the Cuban Missile Crisis, and the Civil Rights Movement was trying to fix something that was so broken and ingrained into society that all hope seemed to be lost. On the news every day you’d see images of an African American being brutally attacked or murdered by a while policeman or civilian. It was a scary time. 

However, as is the case with all detrimental moments in history, beauty came from it. People joined together, regardless of the colour of their skin, and stood against the establishment. This rebellion came in many forms. It came in the clothes people wore, it came in the places people went, it came in the words people spoke, it came in the drugs people smoked and it came in the music people listened to. Dylan was right in the forefront of this. He was combining political music with the beauty of cannabis. 


Cannabis stood for something more than just what it was. It stood for a political movement; the same way that a colourful shirt did, or a tie-dye shirt, or a Bob Dylan song. Lots of things were grouped together to stand against the way that America was being run. Therefore, cannabis and the mind-opening wonders of THC were political. Similar to how Jazz music and cannabis came hand in hand, so did Dylan and cannabis. It isn’t just weed’s illegality that makes it the perfect drug to be part of political movements. It’s also – much like acid – the perfect drug because of how it makes people feel. The effects of THC include euphoria, feeling like your mind is opening, feeling close to those around you and being accepting. It isn’t a coincidence that cannabis has been a part of essentially all political protests in the 21st century. 

Bob Dylan and Cannabis 

Bob Dylan loved cannabis from the beginning. In a Playboy Magazine article Dylan said:

“I wouldn’t advise anybody to use drugs–certainly not the hard drugs; drugs are medicine,” he answered thoughtfully. “But opium and hash and pot–now, those things aren’t drugs. They just bend your mind a little. I think everybody’s mind should be bent once in a while.”

He knew of the mind-bending qualities of cannabis, and loved the way it worked with his music writing. In fact, in 1964 he met The Beatles for the first time and supposedly introduced them to cannabis. They’d never tried it before and Dylan ensured that he opened their eyes to the beauty of THC. He didn’t hide his thoughts on cannabis whatsoever. In his hit song ‘Rainy Day Women #12&35’, he proclaims proudly: ‘everyone must get stoned!’

Dylan did get into harder drugs of course, due to his excessive time on the road. However, he understood the difference between good habits and bad habits. That’s why in 1969 he told Rolling Stone co-found Jann Wenner: ‘I was on drugs, a lot of things. A of things just to keep me going, you know? And I don’t want to live that life anymore’. This was supposedly just as he was trying to kick a heroin habit. It seemed Dylan understood that everything works best in moderation. Whilst cannabis may be harmless, heroin and harder drugs can be harmful. Dylan’s best friend was cannabis, not the other drugs. 

420: National Weed Holiday

Funnily enough many people have claimed that the name for 420 – which is the national cannabis holiday that occurs around the world every year on the 20th April – was first originated from a Dylan song. Dylan’s song ‘Rainy Day Women #12 & 35’ has created many theories as 12 multiplied by 35 equals 420. In addition, in the song he does tell everyone to get stoned. So, perhaps that is where the cannabis holiday name ‘420’ comes from. It might sound ridiculous, but weirder things have happened. It’s clear that Dylan and cannabis have a special connection, and perhaps this is the final one. 


Dylan was and is a fantastic musician with a career that spans over a full lifetime. Like many before him, he found his way of utilising the wonders of cannabis throughout his career. The truth is, Dylan and cannabis have a special connection and one that benefits all of us that get to listen to his music now. Are you a Dylan fan?

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Los Rivera Destino Discuten su Nuevo Tema Cannábico y la Música para ‘Mafuteros’, de Les Luthiers a L-Gante

Nota por Javier Hasse publicada originalmente en El Planteo. Más artículos por El Planteo en High Times en Español.

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Mis amigos fuman pasto
Que mucho pasto fuman
Se arrebatan se ajuman
Con un blón o con pluma
Siempre andan feliz

Mis amigos fuman hierba
Siempre están hecho’ mierda
No les gusta la coca
Todo siempre por boca
Nunca por la nariz

Así comienza el nuevo tema cannábico de la banda puertorriqueña Los Rivera Destino.

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Titulada Mis Amigos”, la canción con estilo de bolero clásico trata sobre la amistad, la lealtad y la marihuana, y es el primer adelanto del tan esperado álbum debut de la aclamada banda isleña, producido por Ismael Cancel de iLe y Calle 13.

“Lo que queremos es que la gente pueda compartir esta canción con sus amigos ‘mafuteros’ y los mafuteros a los que no fuman. Queremos que sea una canción que una a la gente y así celebremos el cannabis y la amistad”, explican los integrantes de la banda, Carlos Omar Figueroa Anguita, Antonio Sánchez Febus y Fernando Tarrazo, en una conversación exclusiva con El Planteo.

El álbum de Los Rivera llega luego del lanzamiento de “Flor”, su innovadora colaboración con Bad Bunny, que cuenta con 20 millones de reproducciones. Bad Bunny se había acercado originalmente a la banda después de su versión de bolero viral de “Te Boté”. Su versión del éxito de Daddy Yankee “Dura” también tiene más de un millón de visitas.

Amigos de la planta

Según los muchachos, “el tema es una historia cuasi-verídica” sobre el consumo de cannabis dentro del grupo de Los Rivera Destino desde la perspectiva de Fernando, el integrante que menos fuma (“solo fuma con sus amigos”). Carlos y Antonio, por su parte, fuman “bastante” cannabis por razones medicinales.

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La canción habla de su amistad y como el cannabis los une, aún cuando no todos tienen el mismo interés en él. “El cannabis es una parte importante de nuestra cultura, no solo como país sino también como banda. Siempre ha estado ahí desde los pasillos de la uni hasta los podcasts que hacemos”, declara Carlos.

Para Los Rivera Destino, el cannabis es un instrumento de unión, un incentivo a la creatividad y un disparador de la risa.

“El cannabis juega un rol recreacional y medicinal en mi vida. Al principio solo lo usaba en mi tiempo de ocio, pero con los años me ha ayudado a trabajar con la ansiedad”, agrega Carlos.

Antonio también considera al cannabis como una importante de su vida, dándole usos tanto lúdicos como terapéuticos. “A través de los años creo que hemos aprendido a consumirlo con más conciencia y balanceandamente”.

La planta también juega un rol central en el proceso creativo de la banda. Es usual que fumen juntos y se sienten a compartir ideas y trabajar.

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“El cannabis me ayuda a tener una perspectiva distinta al momento de crear. Me ayuda a limpiar el paladar y ver las cosas de otra perspectiva”, Fernando le dice a El Planteo.

Los Rivera Destino

Y Carlos agrega: “No siempre tiene que estar presente en mi proceso creativo, pero es otra experiencia cuando estoy bajo los efectos del cannabis, usualmente me dan más risa las cosas”.

De L-Gante A Les Luthiers

“Mis Amigos” no es el único tema marihuano de Los Rivera Destino. De hecho, podemos encontrar referencias a la hierba desde sus primeras canciones.

Por ejemplo: la banda produjo una versión en pasodoble del tema “Viajo sin Ver” de Jon Z. En “Sin Ti” prenden “siete libras de mari” y “Fumando junto a Sabino” en La vida es una movie. También en el disco nuevo hay varias referencias al cannabis.

Pero el cannabis no lo es todo. La música siempre viene primero para los pibes.

“No sigo a un artista necesariamente porque fuma ni porque habla de yerba. Pero estoy segurísimo que la mayoría de los artistas que me gustan fuman yerba y de la buena”, declara Fernando, riendo.

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Al preguntar por el fenómeno de L-Gante y la Cumbia 420, un fenómeno de música cannábica que está sacudiendo a América Latina hasta los huesos, la banda se frena a pensar y se toma un rato para escuchar algunos tracks.

Estamos malacostumbrados a pensar que las canciones de cannabis tienen que ser de reggae o de rap, pero es hora que más géneros musicales exploren la temática cannábica”, dice Antonio. “La cumbia combina bien con la marihuana; yo diría que hasta la ópera”.

Los Rivera Destino

Más allá de las modas, Antonio admira a Cultura Profética (“porque en Puerto Rico lograron pegar en la radio una canción que habla sobre el cannabis”) y está seguro de cuál es su canción porrera por antonomasia: “Legalización” de Ska-p.

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A esta lista, Carlos agrega a Bob Marley, Lil Wayne y Kid Cudi.

A modo de conclusión dos preguntas rapiditas:

Si pudieran compartir un porro con quien sea, vivo o muerto, quién sería?

  • Carlos: Les Luthiers
  • Fernando: Ismael Rivera
  • Antonio: Tite Curet

Y por último: una collab musical de ensueño?

  • Fernando: Luz Clarita.
  • Carlos: Tego Calderon
  • Antonio: Les Luthiers

Fotos de cortesía

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De las Cenizas el Fénix: María Eva Habla sobre Renovación, Marihuana y su Nuevo Disco

Nota por Marian Venini publicada originalmente en El Planteo. Más artículos por El Planteo en High Times en Español.

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Todo el mundo conoce el mito: el fénix es un ave de fuego que muere y renace constantemente, símbolo de resurrección y renovación. Claro, todo el mundo conoce la historia, pero pocas personas la viven. Y es tal el caso de María Eva Albistur, compositora y productora argentina que, tras burlar una muerte que parecía certera, lanza Fénix, su cuarto disco. En esta entrevista, la música habla a propósito de su pasado y su futuro, y sobre cómo la marihuana juega un papel crucial en ambos.

Saliendo del nido

El interés de María Eva por la música se dio temprano, de chica, agarrando cada vez con menos timidez la guitarra de su madre. Luego de un par de años de clases, un amigo le hizo notar que sus dedos buscaban más las líneas de bajo que los acordes de la guitarra. “Me dice: ¿por qué no tocás el bajo?’. Y yo le dije ‘tenés razón’”, cuenta María Eva. “Mi hermana me acompañó en un tren a Santos Lugares y me compré mi primer Faim. Trabajé, ahorré y me lo compré”. ¿Faim? La legendaria Fábrica Argentina de Instrumentos Musicales, ubicada en Zona Sur.

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“Ahí empezó todo un camino”, sigue María Eva. “No había tantas escuelas, vos buscabas un profesor que te enseñaba de forma particular”. Y lo encontró, tomando clases con el mismísimo Machi Rufino, que supo formar parte de varios proyectos clave del rock nacional, como de Invisible, Pappo’s Blues, varios discos de Spinetta, y Chaco de lllya Kuryaki and the Valderramas.

Ya más de grande, encontró una salida laboral en la música, en forma de una banda de covers altamente solicitada que llegaba a hacer varias funciones por noche. Asimismo, el aprendizaje de la bajista comenzó a crecer, abarcando estudios de piano y composición. Y así como se ampliaba su educación, se ampliaban las oportunidades: “Apliqué para estudiar en Nueva York pensando que no me iban a aceptar y me aceptaron. El curso era por tres meses, y me fui… me fue bien”.

Tan bien le fue que la becaron para que siguiera estudiando. Y también tuvo la chance de trabajar tocando en proyectos cada vez más interesantes. Pero hubo una propuesta claramente superadora: la de hacer la gira 19 Días y 500 Noches con Joaquín Sabina. De más está decir que no se lo pensó demasiado: “Ahí me fui para España. Me fui por tres meses y no volví por seis años”, ríe.

Volando alto

Todo muy emocionante, pero como dice Dorothy, no hay lugar como el hogar, y después de un par de años María Eva empezó a simpatizar con ese sentimiento. Así que emprendió la vuelta a la matria, donde sólo se encontró más puertas que se abrían. Esta vez, con nada más ni nada menos que Charly García. “Azarosamente terminamos en una grabación, y estuvo buenísima, y ahí Charly me ofreció hacer la grabación de Kill Gil”, relata la música. “Grabamos en mi casa y en el estudio de Palito (Ortega)”.

Y así fue como María Eva formó parte de un disco de uno de los músicos más emblemáticos del rock nacional, encargándose no sólo de parte de la producción sino de la grabación de coros, teclados, guitarra y, por supuesto, bajo.

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Si bien se destaca como instrumentista y productora, paralelamente siempre estuvo grabando y componiendo temas propios. Ya en Nueva York, donde la composición era parte del estudio, comenzó a grabar sus propias canciones. Más tarde, en medio de la gira en España, surgió una propuesta para grabar. “Sabina me apoyó, me prestó su estudio… terminé grabando mis cosas ahí”, dice María Eva. Pero el vuelo no se vio sin turbulencias. La artista resume: “Iba a salir por una vía más comercial, y al final yo decidí que no quería hacer un disco comercial. Hice un disco más experimental, por una vía más pequeña, digamos”.

maría eva fénix

Y así, junto con el nuevo milenio, nació Insomne (2000), el primero de sus dos discos que saldrían en España, además de Avatar (2004). Su tercer disco ya compartiría su nacionalidad: al tiempo que trabajaba con Charly y otrxs artistas, grabó Más ahora que después (2010).

Con semejante currículum, tres discos al hombro, uno en camino, y un hijo recién nacido, el destino parecía no parar de sonreírle. Pero hay ciertas vueltas de la vida, ciertos azares del destino, que te dejan patas para arriba. El cáncer es una de ellas.

El rayo y el fénix

María Eva se encontraba en un marcado cambio de rumbo en cuanto a lo personal (recién convertida en madre) y en cuanto a lo musical. “Empecé a experimentar más por el lado electrónico, empezaron a gestarse los temas del disco de ahora. Pasé por todo un proceso”, detalla. Pero por más proyectos que se tengan, a veces la vida tiene otros planes. “Cuando ya estábamos plasmándolo, vino la enfermedad y paró todo”.

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En el 2017 le diagnosticaron cáncer de garganta (a ella, cantante; a ella, acostumbrada a decir las cosas de frente y claras, sin tapujos), por lo cual se vio obligada a suspender básicamente todo. Se encontraba en un punto caramelo laboral, abriendo con Santa Fe (banda liderada por ella) fechas de artistas de calibre como Stevie Wonder, Elton John, Sade, Julieta Venegas y Ricky Martin. Y con su último disco casi listo, casi para sacar del horno.

Ese momento eligió la enfermedad para avanzar tanto que no quedó otra que ir a operarse a Nueva York, en un retorno por demás amargo. Durante varios años de tratamientos, operaciones, viajes, internaciones e infiernos similares, su vida quedó así, en pausa, en un veremos eterno, en un mar de incertidumbre.

Y también quedó en pausa el disco, guardado durante tres años. Hasta que volvió a escucharlo a principios del 2020, y vio que le seguía gustando, y vio que quería terminarlo. Y así fue.

Así es como acaba de salir a la luz Fénix, el disco más distinto, más cargado de María Eva… pero también el más alegre. “No es un disco que refleje eso desde un lado melancólico, o de bajón. Curiosamente, el disco que hice en la etapa más difícil y más triste de mi vida es el disco más alegre y bailable que tengo”, explica la compositora.

Pero aunque sea bailable, eso no significa que sea light, o bobo. Sus letras y sus temáticas suelen ser más profundas, y con todo lo que le estaba pasando al componerlo, no daba para menos. “Fue un disco muy empapado de todo lo que me pasó”, afirma. De hecho, uno de sus temas, ‘El rayo‘ (cuyo video dirigido por Luis Ortega se estrenó en junio), está inspirado en la experiencia del tratamiento contra el cáncer.

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En contraposición, dice que no le surge mucho escribir sobre amor. O sí, “pero desde una mirada más existencialista”. Y si te parece que ese tono no puede quedar bien con un tinte electropop, es porque no escuchaste el disco.

Fénix salió el 30 de julio en todas las plataformas, constando de 9 temas y antecedido por tres videos. Además de ‘El rayo’, primer single del disco, salieron videos de ‘King Kong’ (animado por Javiera Irusta) y ‘Fénix’, realizado por Vruma Ottavianelli. En cuanto a la producción, fue un esfuerzo conjunto de María Eva con Ezequiel Araujo, una dupla ya histórica en este tipo de trabajos.

Así las cosas: después de osear a la muerte y pasar un par de años entre las cenizas, María Eva resurge diferente, otra, renovada, pero todavía ella misma. Y prendida fuego.

Humo salvador

Y hablando de prenderse, cabe mencionar que María Eva tuvo una aliada incondicional durante todos estos años (y especialmente en la última etapa): la marihuana. Hoy es una acérrima defensora del cannabis medicinal. Y con autoridad de sobra, ya que vivió sus beneficios en carne propia.

Si bien lo hacía de manera intermitente y recreativa, María Eva ya consumía desde adolescente. Como tantas cosas en la vida, el consumo iba y venía por etapas. Ya de adulta prefería no utilizarla para trabajar, porque le “sacaba un poco la energía”. Un par de años más tarde, esto cambiaría rotundamente.

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“La verdad que cuando me enfermé fue muy salvadora”, afirma María Eva. “Al principio, acá no la usaba, porque no tenía acceso al aceite, no llegaba hasta acá”. Sin embargo, cuando se vio obligada a ir a Estados Unidos para seguir el tratamiento, ese panorama cambió. Allá existe hace varios años una industria de cannabis medicinal ampliamente desarrollada. Por ende, no le fue muy difícil conseguir un doctor especializado en cannabis medicinal que se encargara de su caso y le recetara un vaporizador recargable.

“Recién me había operado y quería algo que me ayude con el dolor”, cuenta. “Terminé la operación y estaba muy débil, y el vapo me hizo muy mal, no me gustó”. Ahí comenzó un periodo de prueba y error: que el aceite sí, que el vapo no, que tal o cual composición… Por fin pudieron encontrar la mejor opción para ella, en forma de un vaporizador con una proporción de THC y CBD adecuada.

Hay gente que elige tomar sólo CBD, pero éste no es el caso de María Eva, que entiende los beneficios medicinales de ambos compuestos. “El CBD me viene bárbaro cuando estoy más débil físicamente… pero me gusta que me pegue el porro”, ríe.

Asimismo, la artista no está exenta de todos los obstáculos que implica ser paciente de cannabis medicinal. “En el 2017 no había mucha cultura del CBD acá”, relata. “Para mí, fue descubrir todo un mundo que no estaba acá. Me vino super bien. No podía creer que no existiera esto en Argentina”.

Hoy, tal panorama está cambiando a pasos agigantados… pero todavía queda mucho por hacer. María Eva explica: “El primer obstáculo es que nunca sabés, por más que encuentres a alguien que haga el aceite, no sabés qué estás tomando. Quizás es solo aceite de oliva”. Efectivamente, son vox populi los casos de estafadores sin escrúpulos que se aprovechan de las personas que necesitan medicina para vivir y más en un entorno escasamente regulado como el del cannabis.

“Por eso acá dejé de tomar aceite, tomo muy poco. Trato de tomar más del vapo, ya que consigo cartuchos de Uruguay o Estados Unidos… y son caros. Pero bueno, no fumo mucho, me duran. Son para terminar el día, para relajarme, para desconectar, y me alivia el dolor”, detalla.

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La artista tiene la suerte de conseguir esta medicina, pero es consciente de su privilegio y aboga por una ampliación de este tipo de oportunidades: “Ojalá que haya más regulación y no tarden mucho en hacerlo, porque la verdad que si a mí me ayudó, la cantidad de gente que hay que sufre un montón otras enfermedades…”.

Además, destaca la falta de información y sobra de prejuicios que posee el personal de salud, que no está capacitado todavía para realizar tratamientos con cannabis. “Es un bajón, porque es una gran herramienta. En vez de darte un Alplax, te podrían dar marihuana para pasarla mejor. Aunque sea con un efecto placebo, te hace sentir mejor y es re importante eso”.

Es imposible decir qué hubiera sido de la salud de María Eva sin esta planta medicinal; sin duda su camino hubiera sido mucho más duro. Nunca lo sabremos con certeza, pero hoy por hoy podemos esbozar a dónde se dirige: para adelante y para arriba.

Fotos cortesía

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Nakkia Gold on Weed, Uplifting Youth and Rising in the Hip-Hop World

When we caught up with singer, songwriter and producer Nakkia Gold, she was chilling in her kitchen, smoking a joint and happy to talk about her newly exploding musical career.

From uplifting women and weed to rising in the star-studded ranks (all while staying focused on paying it forward to youth), we talked all things positive with Nakkia Gold. Freshly riding the waves of success from her recent release of “Justice (Get Up, Stand Up)” featuring the powerhouses of Wiz Khalifa and Bob Marley and The Wailers, here’s the conversation.

How did you first get started making music?

I fell in love with music at a very young age. I was always dancing, and when I danced, I would be singing the song instead of doing the dance, or remembering the dance because of the specific words in the songs. And I was always in church. Then, when I figured out I was able to create my own world and write my own songs, and say and do what I want, it made me fall even more deeply in love.

Who helped you along the way, and what all went into your journey of getting into music?

I grew up in South Central Los Angeles, so I got to see a lot of hip-hop and street artists really make it from nothing, just by telling their story. When I found out I was able to create my own world within music and write my story, like Nipsey Hussle, Kendrick Lamar, Snoop Dogg, like everybody from here, I wanted to do that for my community.

I kind of want to do that for my generation as well. There’s an opening for lesbian, gay women, and I want to be the face of LA and show that we can do it, too. So, just getting that confidence and assurance, and coming from where I’ve come from gave me more of a drive to do more for not just myself, but for my community.

How did you get into cannabis activism, and how does it show up in your music?

I dealt with social anxiety for a long time as a kid, so when I was introduced to cannabis, I was able to let everything go, no more stress. Now I don’t have to take medication for pain. When I feel sore after I go to the gym, I use CBD as well, so not just the THC part of it. I use the medicinal part. I use CBD bath bombs and body oil.

Also, cannabis really helps me create well; it opens up my creative space and my mind so that when I’m writing, I’m not concentrating on stress or what I’m going through in my personal life. I’m able to let it all go and really be myself and speak my truth without worrying about anything.

In terms of legalization, what changes do you hope to see, especially when it comes to people of color being incarcerated for cannabis?

I’d like people to be able to see the medical benefits, and finally just have legal use because it’s not hurting anybody. I feel like if the world would just hit a blunt sometimes, or a bowl, everybody would be cool. No one would be stressed out.

I think elderly people should be able to have a little weed sometimes if they want to. It’s not like we have deaths or people doing crazy stuff on it. I feel like everybody needs to be able to smoke up without consequences.

Do you find yourself working that, and other cannabis themes, into your music?

Oh yes, I definitely incorporate those themes. I mean, I did a song with Bob Marley and Wiz Khalifa, so how could I not? I think it’s well-branded that everywhere I go, I have a nice bag with me.

As a queer person in hip-hop, do you feel there is acceptance, or is there still a lot of work the community needs to do?

I feel like we have overcome a lot of hurdles, and I feel like there’s still a lot of teaching and a lot of learning out there for people to do as far as the people who don’t accept it. They have to understand, love is love, and we can’t fight who we love; we just can’t.

Where do you hope to see your career in five to 10 years?

In the stars, amongst those who are excelling. I want to drop a few albums; I want to go on tour. I want to do a lot of collaboration. I want to see more of people building their communities, and I want to see change in where I live. I want to help the homeless and make different foundations and organizations to help people. I want to create spaces for kids who don’t have money and benefits.

Can you tell us more about what inspired you to create those spaces for youth?

I was a teacher for a while, so I’ve seen the effect that music can have on kids in education, so that’s really, really deep in me. I’m going to create a foundation that’s like an after school program, but not one where you just give a kid a ball and let them go in the yard.

I want to incorporate and give them a trade, teach them something that they can do afterwords and carry on with their life so they can have skills that can make them money later on, whether it be music, dance, acting, plumbing or construction. I can give them a couple hours after school, and instead of sitting there just bouncing a ball, let’s do something physical.

Do you have anything in the works in terms of touring plans?

Nothing official yet, but when I tour, I want to head straight for Atlanta. I want to go to Atlanta first, and then back home and just go crazy all over again.

So you’d love to just play in those cities where hip-hop shows really pop off so that it’s a crazy time?

Yes, absolutely. That’s what it’s all about.

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Stoner music crossword puzzle

Bob Marley once said, “One good thing about music, when it hits you, you feel no pain.” For many people, those words express the truest feelings in their hearts, especially within the cannabis community. The music we love is the soundtrack to our lives. Whether we like it or not, we can connect with a […]

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Los Modelos de Conducta de Noduermo, el Director de los Estrambóticos Videoclips de la RIP Gang

Nota por Hernán Panessi publicada originalmente en El Planteo. Más artículos por El Planteo en High Times en Español.

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Fulgor lejano, caos post-adolescente y noches en vela. Dicen que el insomnio ocurre por falta de sueño, pero también por exceso de obsesiones. Y fue la casualidad, el destino o una coincidencia lo que hizo que Andrés Capasso, alias Noduermo, alias Inzomnia, alias Andy, cambiara su vida para siempre. “Todo parece que se dio en el momento exacto”, dice.

Cineasta y director creativo de la RIP Gang, la crew de Dillom, Muerejoven, Saramalacara y otros deformes, marcianos y geniales artistas de la new wave del trap doméstico, Capasso pasó por tribulaciones, se tiró a una pileta llena de oscuridades y, aunque parezca un cliché remanido, alzó la cabeza y vio que, ahí, donde estaba mirando, había mugre pero también oro.

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“Las cosas que hago hablan de mí”, reconoce el realizador de los más populares videoclips de la RIP Gang y uno de los encargados de trazar una línea narrativa que comprime el ZEF Side, la televisión y la música de los 2000, los rednecks criollos, South Park y Adult Swim y que, en su ancho nervio, devuelve un artefacto irónico, chicloso y alucinante.

Gestación y capítulo 0: Mis modelos de conducta

Nacido en el año 1995 en Morón, en el oeste del Gran Buenos Aires, Andrés vivió en Villa Tesei hasta los 12 años cuando, por cuestiones laborales, su familia emigró a la provincia de Misiones.

“Tuvo momentazos”, reconoce Andrés, que oscila entre el “pueblo chico, infierno grande”, una niñez libre de compromisos, las vibras de una película norteamericana y un tono asfixiante. “Fui callando lo artístico hasta que tuve internet y ahí encontré un mundo más lejano de lo que imaginaba. Fue el momento en el que dejé de hacer siempre lo mismo”.

Junto a su madre, su padre y su hermana vivió en Concepción de las Sierras, un pequeño pueblo al sur de la provincia. Allí, como en las fábulas de El Zorro, una lista que tiene, más o menos, siempre lo mismo: un colegio secundario, una plaza, un boliche, una iglesia, una municipalidad, una comisaría, un cementerio, mil vueltas al perro. Y poco más.

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Por eso, aunque sus padres siempre fueron sobreprotectores, el inquieto Andrés -que había tocado el contrabajo en una orquesta provincial, tomado clases de dibujo y estaba enroscado con la idea de filmar cosas para subirlas a YouTube- se mandó a mudar a sus 18 años.

¿El destino? Buenos Aires. ¿El pretexto? Estudiar cine. ¿La verdad? “Quería hacer lo que se me cantara el orto, pero si decía eso, mis viejos me iban a mandar a la mierda”, desliza entre risas.

Preludio: Mi Buenos Aires querido (y tóxico)

Su mudó al barrio de Once: crisol de razas, colores, familias, texturas y universos. Se anotó en la Universidad Nacional de las Artes para cursar la carrera de cine. Pero el salto fue tan grande que el movimiento geográfico se convirtió en un sismo interno: no conocía Capital y Capital empezaba a fagocitarlo de un bocado. Ñam, ñam: ahí fue Andy. “Sentía que tenía que estar a la altura de la ciudad”.

Desde su monoambiente, a pasitos de Av. Corrientes y Pueyrredón, Andrés, que venía de la tensa calma pueblerina, se estroló de jeta contra la contaminación sonora y visual. Con los cientos de locales, olores, chapas, estéticas y accesos: “Fue una locura”.

Allí se dio cuenta de que o se apiolaba o era pollo. “Empecé a ver cuáles eran los boliches más rancios e ir”, confiesa. En una especie de tour de force àla-película-de-Gaspar Noé, el joven e inexperto Andrés empezó a meterse en sótanos oscuros, a convivir con extraterrestres, a hundirse en un mar de sustancias y situaciones, de mínima, random y, de máxima, peligrosas.

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“Fueron dos años de entrenamiento hasta que me transformé en una criatura muy diferente de lo que era cuando llegué a Buenos Aires”.

Haciendo un balance entre el mundo académico y el submundo de las discotecas y la noche, Andrés fue mutando de piel y comenzó a enroscarse sobre sus nuevas expectativas. Pero, ¿qué era lo que realmente estaba buscando?

“La quería pegar antes de entender qué es pegarla”, cuenta. Y eso se convirtió en una especie de obsesión, un tema recurrente. “Tenía que encontrar algo que me haga pegarla y pensaba que lo iba a hacer enroscándome”.

noduermo no duermo

Entonces, pasó noches sin conciliar el sueño, yendo a la facultad clavadísimo y saliendo de joda cada descenso de los cielos. De allí, su nickname: Inzomnia Films.

“Por suerte pude salir de eso”, alivia.

Así las cosas, peleado con las estructuras y contrariado con el snobismo, Inzomnia dejó la carrera. “Me di cuenta que no iba a terminar la universidad. Que todo eso había sido un preludio. Y en un momento entendí que era por otro lado”.

Capítulo I: Quanti Martiri Ha Potuto Passare

Después de mamar este nuevo impacto estético, de divorciarse de la idea de las formalidades y de sus ganas desesperadas por conocer gente que le abra la bocha, encontró a un grupo de pibes que, más o menos, andaban en la misma que él.

“Cerré un ciclo que me define como persona”, reconoce a propósito del momento en que se ungió en las huestes de la RIP Gang.

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¿Qué buscabas hasta ese momento?

—Creo que lo mismo que busco ahora: que a la gente le sirva lo desquiciado de mi personalidad. Todo eso que expulso para entenderme. Me gusta que digan “fa, está sacado”. Y creo que es lo que está empezando a pasar ahora con mi laburo.

¿Y qué es lo que te marcó en todo este proceso?

—Lo que más tuvo impacto en mi vida fueron las cosas raras. Ni lo lindo, ni lo feo; ni lo bueno, ni lo malo. Y, para entenderme mejor, supe que los traumas son los que me generaron un impacto estético más profundo. Que incluso tienen que ver con mis conductas de comportamiento. No nos enseñan a explorar esos sentimientos.

Entretanto, durante un verano, tras una visita familiar de Dillom a Misiones (de allí es su abuelo; ahí vivió su mamá), Inzomnia se mandó derecho donde estaba el artista y, sin más, lo encaró. Le sacó la ficha de su locación vía stories, tomaron una cervezas y en ese instante nació una especie de amistad. Por ese entonces, Dillom ya había publicado “Drippin” y “Keloke”. Sin más, Inzomnia le mostró “Ruega x nosotros pecadores” de Olimac Rizas, el primer videoclip de su autoría.

—“Está zarpado”, le dijo Dillom.

—“Crucémonos en Buenos Aires”, quedaron ambos.

Capítulo II: RIP Gang

Así, después de un showcito con poca asistencia, el grupo de amigos de Dillom, Muerejoven, Quentin, entre otros, terminó en un bar: bebieron, rieron, flasheron. Y, borrachos, se dijeron: “Tenemos que hacer algo juntos”, plantando la semilla fundacional de la RIP Gang.

Firmado ese acuerdo tácito de cooperación y amistad, llegó “Superglue” de Dillom y el primer millón de views. Enseguida, en un lapso de un mes y medio, cada uno desde su lado (aportando beat, redes, clips, música, et al.), fueron ensanchando las bases de la RIP Gang. “Se fue armando muy orgánicamente”.

A la sazón, le tocó a Capasso, que venía de estudiar cine y ya tenía su camarita, el rol de director. ¿El primero? “Fredo”, de Muerejoven, en el que se los ve a los jóvenes artistas saltando y tirando facha en medio de Av. Corrientes  y Uruguay, frente a la pizzería Güerrín. “La plata rendía para eso”.

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Al toque vino “Casi Pegado”, de Dillom y Muerejoven. Lo cuenta en sus palabras: “Era todo prestado. La locación la pagué yo. Le regalé un licor Tía María a la dueña de la casa. Era como una mansión media inglesa, en el medio de Belgrano. Dillom cayó con resaca y Muerejoven se quedó dormido. Yo no tenía tanta confianza con ellos”.

¿Y qué pasó?

—Bueno, pensé: “si no funciona esto, me mato”. No tenía un mango. Ni en pedo me imaginé que esto se iba a convertir en una oportunidad laboral pero, a su vez, me aferraba a eso.

Rewind necesario: Inzomnia compró su primera cámara, una Canon 7D, después de vender panchos en Misiones. “Por recomendación de mi mamá, me puse una panchería con mis ahorros y funcionó”.

Volvamos. Para el video de “Casi Pegado”, los artistas querían algo que contuviera una naturaleza bien trapera, pero fue el cineasta el que buscó deliberadamente burlarse de los estereotipos. “Eso marcó la estética de ellos. Por momentos son dos Mirtha Legrand, no dos Dennis Rodman”.

Capítulo IV: Bienvenidos al tren

En paralelo a la proliferación de fechas, los clips no paraban de circular. “Ése fue el momento en que me di cuenta que no quería ser director de videoclips, sino que quería hacer una carrera junto a los chicos”.

Llegó la Session de Dillom con Bizarrap, el contador de visitas no paró de engordar y todo lo que tocaron empezó a convertirse en oro. “Lo que pasó con esa Session es que terminó de cerrar ese concepto de que o te encanta  o lo odiás. Y si lo odíás, después lo vas a amar. Es más, creo que los que le pusieron dislike en su momento, hoy escuchan a Dillom”, explica.

Con un poco más de presupuesto, se emplazaron en el barrio de Parque Patricios y filmaron “A$AP”, otro de los éxitos de Dillom y Muerejoven. “Casi todo el presupuesto se nos fue en el alquiler del auto”, recuerda Andrés quien, otra vez, renovó su a.k.a. y se bautizó como Noduermo.

Subió el hype, aumentaron las reproducciones y las cosas se advirtieron cada vez más nítidas: “Kelly” significó un nuevo hito en la vida de la RIP Gang. “Fue la cerecita del postre del concepto que buscábamos: nos estábamos burlando de todos”.

Y a partir de ese momento, Noduermo empezó a encarar la configuración del discurso propio de cada uno de los artistas de la crew y la trilogía compuesta por “Casi Pegado”, “A$AP” y “Kelly” erigió las bases de su humor satírico e incómodo, una marca registrada de su obra.

Capítulo V: Irreversible

Así, “Dudade” de Dillom y “Tantas Vueltas” de Muerejoven significaron un nuevo paso en la carrera de los miembros de la RIP Gang. “Filmamos los dos videos en 24 horas y me di cuenta por primera vez que entendía que podía laburar mejor de lo que venía laburando”.

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Sin embargo, tras “Water” de Saramalacara y Taichu donde Noduermo jugó a ser, justamente, Gaspar Noé, uno de sus héroes cinematográficos, llegó “OPA”, el nuevo level-up.

¿Qué significó “OPA” para ustedes?

Sin dudas fue un nuevo capítulo en mi carrera y en la de los pibes. Como artista, Dillom tenía encima una carga estética muy contundente. Por eso fue un desafío. Yo tengo una memoria muy prodigiosa. Me acuerdo de todo. Y siempre me gustó todo lo horrible de los años 2000. Y a Dillom también. Acá, se nos voló el presupuesto a la mierda. Volvimos a esos 2000 y el video tiene algo de “Ass Like That”, de Eminem. Queríamos atravesar esas referencias estéticas por la historia de Dillom y todo lo que lo compone. Lo mejor fue sentarnos a escribir el videoclip con él: lo escribimos en media hora.

Por estos días, Noduermo filmó el flamante clip de K4, un plano secuencia que es, según dice, de lo mejor que hicieron. Además, acaban de terminar un nuevo video de Dillom junto al uruguayo Mesita.

¿Y cuál es tu próximo plan?

—El big deal es el disco de Dillom, encarar el corte de difusión y los singles para contar el disco. Va a ser una mierda bien picante. Y puedo adelantar que va a tener una carga estética más pesada que lo usual, más creepy y spooky.

¿La marihuana forma parte de tu vida?

—Soy una persona muy sensible a los estímulos. Los estados alterados agudizan los estímulos. Tuve una etapa muy stoner, en las que fumaba porro todos los días. Me pasó de encontrar un equilibrio en mi vida. Me pasó con el porro y con otras sustancias. La marihuana me volvió sensible para descubrir cosas de mi personalidad, pero -en excesos- me volvió sensible ante ciertas inseguridades.


—El porro siempre está a mano. Me sirve para cuando estoy relajado y exento de responsabilidades. Es un premio que tengo que saber disfrutar. Pasé de una época sustanciosa a convertirme en un adicto al laburo. Soy un workaholic y eso repercute en mi salud mental. Estoy aprendiendo a disfrutar los momentos para cada cosa. La marihuana no me gusta para estar sensible, me gusta para relajar. No solo la marihuana, sino los estupefacientes en general. Por eso, solo los uso recreativamente.

Fotos cortesía de NoDuermo

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Entrevista a Snow Tha Product: Bizarrap, Persistencia, Weed y el Camino al Éxito

Nota por Javier Hasse publicada originalmente en El Planteo. Más artículos por El Planteo en High Times en Español.

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“Me siento feliz. Mi familia está aquí en Estados Unidos, estoy trabajando: esas son las cosas que me hacen feliz. Mi equilibrio entre el trabajo y la vida está en punto; estoy entusiasmada. Esto es lo más feliz que he sido nunca, y tengo éxito”, declara la rapera mexicano-estadounidense Snow Tha Product, nacida Claudia Alexandra Madriz Meza.

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Dicen que toma 10 años convertirse en un éxito de la noche a la mañana. Y Snow es la prueba viviente de ésto.

Yo ya llevo tiempo que le meto, pero con todo respeto, ya llegó la hora de que llegue con un golpe“, asesta, impecable, en su BZRP Music Sessions #39.

El tema acumuló más de 120 millones de reproducciones en el primer mes desde su debut, propulsando a la artista al estrellato dentro de la escena musical latinoamericana, casualmente la más trendy en el mundo occidental hoy por hoy. Así, después de más de una década de producción musical consistente, colaboraciones con personajes clave de la industria como Tech N9ne y Ty Dolla Sign, y el respaldo de 50 Cent y Snoop Dogg -pero aún sin recibir el reconocimiento público merecido- Snow finalmente encontró el éxito viral en el más inesperado de los lugares: Argentina.

De Bizarrap al mundo

Hace unas semanas, un artículo de Forbes analizaba el fenómeno de la Cumbia 420, estilo musical con influencia de la marihuana, que devolvió el barrio al mainstream en el mundo de habla hispana.

En un momento dado, se presenta a Bizarrap, una suerte de Dr. Dre sudamericano que periódicamente proporciona a su fiel base de fans de decenas de millones de personas éxitos de rap mega-virales.

“Si Biza participa en la producción de una canción, lo más probable es que tenga más éxito que el último lanzamiento de Justin Bieber, Drake o Rihanna, y esto es bastante literal”, se dijo entonces, y hasta ahora eso no ha cambiado.

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De hecho, fue su colaboración con Bizarrap lo que realmente le dio un puntapié a la carrera de Snow, y nada menos que en contexto de pandemia. Pocos días después de lanzada su Session sus seguidores en redes sociales se habían duplicado, al igual que su reconocimiento en todo el continente americano.

De pronto, esta rapera OG-pero-new-school, nadando contra la marea del trap que domina América Latina, estaba en boca de todxs. Sus letras reflexivas, su fluidez impecable, sus barras perfectamente bilingües y su actitud de chica ruda cautivaron los corazones y las mentes de toda una región en un abrir y cerrar de ojos -después de una vida entera de esfuerzo.

Y, al parecer, el éxito llevaba, en cierto modo, un par de años amasándose.

Snow y Biza conectaron por primera vez en el 2019. Aparentemente, el productor era fan del trabajo de la rapera y quiso establecer contacto.

“Fue algo muy casual, como una conversación entre productor y artista. No fue nada de ‘vamos a reventar el mundo’ y cosas así. Fue una conversación común y corriente”, revela Tha Product. “Nos llevó unos cuantos años hasta que finalmente decidimos meternos en el estudio”.

“La Session tuvo lugar y sabíamos que era buena, ¿entiendes? Pero no sabíamos que iba a causar tanto [revuelo]. Bueno… creo que Biza sí lo sabía. Pero yo sólo rapeaba y esperaba que a la gente le gustara, esperaba que a sus fans les gustara. Y así fue; fue una locura”.

Al igual que Snow tomó por asalto América Latina, el amor latino le entró fuerte a la artista, como patada de allanamiento. Hay algo en el retorno, la vuelta al hogar -un lugar que es nuevo pero que se siente como siempre tuyo- que es simplemente inexplicable.

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Es una locura, todo el amor y el apoyo.

Me encanta porque todo gira en torno al talento. Eso es lo que me parece realmente genial de todas las sesiones de Biza, de la forma en que lo hace; y también de mi sesión en particular.

Si hubiera hecho algo diferente a lo que hago habitualmente, y eso hubiera recibido mucho amor, sería como: “Maldición, ahora tengo que cambiar toda mi carrera. Por eso no estaba funcionando”. En contraposición a: “No, hice lo mismo que estuve haciendo siempre. Rapeé en inglés y en español. Rapeé lo mismo que siempre y funcionó”.

Así que se trata más del hecho de que no se me había prestado suficiente atención, que de que haya algo malo en mí.

Toda esa canción fue como mi introducción [a Latinoamérica]. Soy lo suficientemente inteligente como para saber que Biza tiene una base de fans diferente a la mía. Algunxs quizá coincidan. Pero en su mayor parte, él tiene una base de fans muy diferente. Así que fue más como presentarme: “Hola, me llamo Snow. No sé si saben, pero hago esto desde hace mucho tiempo. Tengo un hijo”. En esa canción me jugué todo.

Si una de las canciones que hice con un gran artista, una gran colaboración, fue mi único gran disco, entonces significa que dependía de eso. Pero una sesión en la que sólo estoy yo rapeando… es realmente genial. Me encanta. Y creo que Biza se merece elogios por el talento que tiene y por haber sacado eso de mí.

Para Snow, la lección está clara: la persistencia da frutos. Y también el trabajo duro, la tenacidad, ser una buena persona y superarse constantemente.

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“A medida que fui creciendo en la industria, he tenido que mirar constantemente hacia dentro y tratar de arreglar cosas de mí misma. Cuando haces eso, recibes mejor la información, lo que muchas veces acaba preparándote para esta industria”.

Y nunca, jamás, descuida a sus fans más fieles.

“Siempre me centro en esxs mil fans, mi base de fans principal, con quienes literalmente me mando mensajes. Todos los demás pueden venir y convertirse en fans si quieren. Pero siempre trato de ver a ese núcleo de fans, que me siguen hace diez años. No me gustaría decepcionarlos”.

El peso del mundo

Claudia Alexandra creció en un hogar humilde de San José, California. Fue criada por padres mexicanos que emigraron a Estados Unidos en busca de una vida mejor.

Su herencia, la lucha de su pueblo y su relativo privilegio: de eso, ella nunca se olvidó.

A lo largo de los años, Snow aprovechó todas las oportunidades que tuvo para hablar de temas mexicano-estadounidenses, sobre inmigración, disparidad, discriminación… Todas pastillas difíciles de tragar.

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A la rapera no le importaba si se trataba deThe Breakfast Club o Big Boy’s Neighborhood, ella sacaba a colación temas incómodos que debían ser tratados, a menudo a costa de su carrera y de su popularidad general.

“Quizá habría conseguido más empuje si no anduviera diciendo todas esas cosas. Tal vez si fuera simplemente alegre, habría sido más famosa antes“, reflexiona.

Sin embargo, para Snow, hacer lo correcto siempre fue más importante que la fama o la fortuna.

Eso me ha frenado un poco en cuanto a dónde podía ir mi carrera. Pero, en cierto modo, también me ha beneficiado, a la larga, porque he estado diciendo aquello mismo de lo que ahora todo el mundo quiere hablar”.

“Todo el mundo quiere hablar de esas palabras de moda como ‘justicia social’. Lo que me ha frenado durante tanto tiempo, es lo que me hace más identificable ahora. Mantuve mi palabra, hice las cosas bien, y ahora merezco estar en el lugar que creo que merezco estar… Al menos tener una oportunidad de luchar en esta industria musical”.

Y algo más

Ser una artista independiente, sin management hasta hace un par de semanas, tampoco le puso las cosas fáciles a la rapera. Desde contrataciones hasta redes sociales, pasando por las giras y el merchandising, todo recayó siempre sobre los hombros de la joven madre.

“Tengo que centrarme en todas estas cosas para poder sacar adelante este negocio, para alimentar a mi familia y para dar trabajo a mis amigxs y a mi familia. Ha sido mucho y, por supuesto, me ha llevado más tiempo que, por ejemplo, alguien que tiene un equipo de 20 personas haciendo todo”, asegura Snow.

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“Sin embargo, no lo haría de otra manera porque me encanta la credibilidad que tengo. Me encanta el amor orgánico y real que tengo de mis fans. Me encanta el hecho de que pude triunfar en mis propios términos y con mi familia. Mucha gente dice: ‘No lo hubiera hecho de otra manera’, pero lo digo en serio. Lleva un poco más de tiempo, pero lo haces bien”.

A Snow no sólo se le asigna a menudo la tarea de representar a la comunidad latina: también se la considera una voz para las raperas, las mujeres en general, la comunidad LGBTQIA+ (sí, Snow es gay), los raperos OG, y más.

Es mucha presión. ¿Llega a ser demasiado?

No para ella.

“Me encanta. Lo único que odio es que la gente intente cargarte con todas esas responsabilidades, pero que no recibas el apoyo necesario. La gente espera que no metas la pata representando estas cosas; pero luego, destacan a otras personas que no están representando realmente estas cosas, las empresas siguen eligiendo para sus campañas a otras personas que no son tan alborotadoras”.

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“Pero no puedes quejarte. Así que es una de esas cosas en las que sólo se convierte en demasiado porque es mucha responsabilidad para hacer un poco de bien. Pero a fin de cuentas, se trata de ser fiel a quien soy. Así que realmente no hay otra opción. No iría por ahí siendo falsa. Así que a la mierda. Simplemente es mi realidad. Realmente no lo veo de otra manera”.

Verde que te quiero verde

Al crecer en California, Claudia no era ajena al porro. De San José, a San Diego, a Modesto, dondequiera que se mudara, la marihuana era la reina del lugar.

Sin embargo, un paso por el reformatorio y un periodo de libertad condicional bastarían para mantener a la joven Snow alejada de la lechuga del diablo durante un tiempo.

Cuando su mundo volvió a la normalidad y el miedo la abandonó, el porro reingresó a su vida. Pero todavía no era algo habitual.

Las cosas cambiaron cuando tuvo más éxito y, por tanto, más trabajo. De repente, el cannabis resultó ser la ayuda perfecta para dormir.

Estresada, ocupada y ansiosa, Snow nunca necesitó recurrir a pastillas. En su lugar, ha confiado a menudo en la marihuana. Y no ha sido menos productiva por ello: todo lo contrario.

“Definitivamente creo que ayuda. Hay días en los que es difícil desconectar mi cerebro o concentrarme en mi familia. Ya sea CBD o un poco de porro, me ayuda a tener un día tranquilo. Lo uso por razones medicinales en lugar de sólo estar high“, afirma Snow, que pide por el “empoderamiento del cannabis”.

“Ojalá se pueda legalizar, normalizar y despenalizar en todas partes, y ayudar a todo el mundo. Creo que estamos en una situación de mierda: necesitamos un poco más de paz”, añade.

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Teniendo en cuenta que las personas de color en Estados Unidos se han visto muy desfavorecidas por el racismo sistémico y la Guerra contra las Drogas, Snow también opina al respecto.

“Sabemos esto [que hay una gran disparidad racial en las detenciones por marihuana]. Pero hacer que llegue a la gente que realmente va a cambiar las cosas, esa ha sido la parte difícil durante todos estos años“, afirma, hablando de las formas de abordar el tema e impulsar el cambio.

“La despenalización de la marihuana es, sin duda, algo muy importante. Sacar a todxs los que fueron a la cárcel por porro. Todas estas cosas han afectado a la vida de la gente para siempre”, continúa la rapera. De hecho, un amigo suyo muy cercano estuvo en prisión en México por cannabis y la experiencia cambió su vida y limitó sus oportunidades de una manera que nunca imaginó.

“Es una locura, la geografía influye tanto en dónde puede cambiar tu vida o dónde estás bien. Así que creo que despenalizar el cannabis a nivel federal, y a nivel mundial. Ese sería el comienzo“, concluye Snow.

Vía Forbes, traducido por El Planteo.

Fotos cortesía

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Method Man Debuts TICAL Cannabis Line in Colorado

Method Man — rapper and founding member of legendary East-Coast hip-hop crew the Wu-Tang Clan — has just debuted his TICAL line of cannabis flowers. In partnership with Boulder-based Vera Cultivation, the launch coincides with a string of Wu-Tang Clan concerts in the state. “What’s that shit that they be smoking? Tical, tical, tical” TICAL, […]

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La Eterna Impermanencia de Mike Amigorena: Manía Musical, Paternidad Pandémica y el Fiel Fasito

Nota por Natalia Kesselman publicada originalmente en El Planteo. Más artículos por El Planteo en High Times en Español.

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Toca todas las campanas, pero no es ningún jorobado. Aunque, sin dudas, saltaría ante la oportunidad de interpretar al deforme Cuasimodo: si hay algo que le enciende la mecha a Mike Amigorena, es un buen desafío. De hecho, este artista camaleónico y distintivo a la vez tiene un solo requisito indispensable a la hora de elegir un proyecto. Pero, ¿cuál?

Se detiene, piensa y, en firme tono barítono, asesta: “El peligro”.

Es un eterno juego. En realidad, es lo que toda la vida hice. No me tengo que jactar, ni mandar la parte: soy lo que siempre fui. ¿Entendés? Era chiquitito y hacía esto. Me subía al árbol, tenía una torre de control, bajaba y tocaba la guitarra, agarraba el auto y le ponía el ruido del motor. Después me iba a misa porque era monaguillo. Toda la vida fue una mezcolanza. Me llamo Michael, pero acá me llamé Mike, y en el documento figuro como Ricardo Luis”.

Con estas palabras, Mike Amigorena declara haber sido “toda la vida un impermanente”. Y su currículum lo respalda.

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En lo actoral, podría decirse que ha hecho de todo: hizo un montón de teatro, desde obras de clown hasta Hamlet; jugó al marciano en la serie Una familia especial (un fav personal, porque “podía hacer cualquier cosa con un marciano”); en Los Exitosos Pells, su big break televisivo, hizo no uno sino dos papeles casi opuestos; encarnó a un Cristo trajeado en Miss Tacuarembó; imitó a Sandro en Mario on Tour y hasta le puso voz a Ken en la versión criolla de Toy Story 3.

Hoy, en plena pandemia, vuelve a sus orígenes teatrales para ensayar A.R.Tdirigida por Ricardo Darín y Germán Palacios y coprotagonizada por Pablo Echarri y Fernán Mirás.

Pero la actuación es tan solo una fracción de lo que hace y toda la vida ha sido así. Su verdadera gran pasión, algo menos reconocida por el público pero mucho más cercana a su corazón, es la música.

“Siempre está ahí. Trato de no descuidar la actuación, obviamente, y la música también la cuido, la genero, estoy generando contenido todo el tiempo. Y están ahí algunas canciones que quedan en la gatera, otras que necesitan ir a la pelu y otras que salen relindas de entrada. Entonces: no quedarse quieto”.

Y nunca estuvo quieto: fue cantante de la banda Ambulancia desde el año 2005 hasta el 2015, junto a quienes Mike tocaba casi siempre de vestido o pollera. En simultáneo, fundó Mox en 2012, hoy también disuelta y, desde 2016 hasta hoy, ha sacado dos discos solistas: Amántico y Daä.

 Y se viene un tercero.

Así lo indica la presentación de “La Pelu”, su primer single del 2021, un rayito de luz en estos años grises y tormentosos que venimos atravesando. “Hay que darle para adelante, no queda otra”, dice. Y siempre, siempre, siempre está más que encantado de brindar una alegría.

La pelu

“La Pelu nació a partir de la alquimia”, explica Mike. Una alquimia que existe entre él y Dante Saulino, director musical del proyecto y guitarrista de la banda. ”Él me mandó una pista y esa pista me conecta. Casi todas las canciones las escribo así. Un sonido de afuera me reproduce uno interno y lo hago canción. Me viene la base y yo le pongo melodía, letra y termina siendo como ‘La Pelu’”.

Sin alejarse nunca demasiado del pop, su hogar sónico, al artista le encanta mezclar géneros y lo demuestra en cada uno de sus temas.

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“Venía de como un trap, o un ‘electrotrap’, o ‘trap pop’, en el último, que fue ‘Transfer’ [ft. Naomi Preizler], que se convirtió más en una instalación que en una canción. Y ahora ‘La Pelu’ es un hip-hop”.

Y añade: “La verdad hice tantas canciones, estuve con tantos géneros… Me gusta la música, amplia. Siempre me gustó el hip-hop. De hecho, en Mox había algunas notas. Después, en Ambulancia también. Siempre me vinculé con lo urbano.

En cuanto a la temática de la canción, Mike nunca se imaginó que iba a terminar hablando de una peluquería, pero sí le encantan las metáforas.

La peluquería puede ser también como un psicólogo, como un taller, como un centro de estética donde vos vas para sentirte bien, para que te vean bien, para que estés como coordinado, digamos. Entonces me vinieron imágenes de Quaffaire y de todo ese mundo”, relata con algo de nostalgia, un poco de los ‘80, un poco de hace tan solo dos años, cuando ir a la peluquería era un placer mundano y no una actividad de riesgo.

En el video lo vemos de traje, tirando pasos (porque, además de todo lo otro, también sabe bailar) en un salón de belleza retro, lisérgico e invadido por coloridas animaciones. Toda esta escena surrealista, dirigida por Matias Sinay y Vicky Dragonetti, desconcierta a la vez que llama a mover el esqueleto. Y, para coronar el flash, Mike porta una cornamenta cabría sobre su cabeza. 

“Es por la naturaleza”, explica. “El carnero de montaña es como un gran ejemplo de liderazgo, de adaptación y de fuerza. Es un distintivo que lo asocio a la naturaleza, que es el único camino posible. Para mí, lo que nos puede salvar como civilización, como planeta, es recurrir a la naturaleza y refugiarnos en ella”.

El huevo o la gallina

Actuar, cantar; cantar, actuar: ¿hay realmente una diferencia? ¿O son acaso artes intrínsecas? ¿No implica el canto un acto performático? ¿No posee cualquier escena teatral su ritmo y su son? ¿Qué vino primero: la música o la actuación?

“¡La música! Sin duda”.

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A los 4 años, Mike ya sabía quiénes eran los Beatles y podía nombrarlos uno por uno. “Estoy hecho de eso desde que nací”, dice. Y asegura que, siempre, desde toda la vida, quiso cantar.

“Y cuando cantaba, imitaba lo que escuchaba, entonces inevitablemente tenés que actuar”, explica, rememorando su infancia. “No era lo mismo cantar Pet Shop Boys que Hall and Oates”.

“Siempre preferí escuchar música que ver. Sí me gustaba mucho ver dibujitos, pero no era de películas. Estaba más vinculado con lo musical, moría por Carlitos Balá y sus canciones, por Menudo, Parchís. Todas cosas milenarias, nena”, sostiene en buena ley el señor que hoy, como quien no quiere la cosa y sin nada de lo que avergonzarse, le está pisando los talones al medio siglo.

Como cualquier persona, a medida que fue creciendo, fue evolucionando en sus gustos, incorporando data e, inevitablemente, formándose a sí mismo como humano y como artista en el proceso.

“Bowie. New Order. Pet Shop Boys. Depeche Mode”. Eso, Mike es, desde la raíz hasta el último fruto: sus canciones. “Siempre reposo en los clásicos. Bowie está siempre, siempre va a estar. También Fleetwood Mac, Thompson Twins, The Twins, ABC, Prefab Sprout, OMD. Eso me vuelve loco”.

Pero no todo es retro. También disfruta de sumergirse en Spotify en busca de música y playlists de todos lados: música de la India, Pakistán, k-pop, korean chill, de todo. ¿Algunas de sus bandas contemporáneas predilectas? Parcels, Jungle, Tame Impala, Foster The People. De Argentina, Bandalos Chinos, Indios y Potra.

Pan de Miel

“Hago lo mejor posible”, dice con humildad en cuanto a sus actividades pandémicas, pero la verdad es que hace un montón. Y, además de no descuidar ni la música ni la actuación, durante la pandemia Mike ha sumado otros roles a su vida.

Uno de ellos es el de cocinero. “¿Qué me contás? Estoy cocinando”, avisa, satisfecho. “Tenemos un proyecto con Carolina Poccard, que es una gran cocinera. Yo aprendo mucho de ella y la pasamos bien, comemos rico. En algún momento viajaremos. Está ideado para viajar. Pero, bueno: por ahora, como no viajemos por la manzana…”.

Pero ni A.R.T., ni La Pelu, ni el catering, ni la mismísima pandemia pueden competir con el desafío más grande con el que el mendocino polimorfo se ha topado: la paternidad. A principios del año pasado, Mike Amigorena y su compañera, su amor, su cómplice, la cantante Sofía Vitola, a.k.a. Potra, recibieron a su hija, Miel.

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“Mirá, para mí la pandemia la tengo asociada a mi hija, a la paternidad. Entonces siempre va a ser recordada como una de las etapas más felices de mi vida. Nació en el 2020, así que estuve toda la pandemia cambiando pañales, viéndola crecer 24/7. Nació en febrero, un mes antes de que empiece todo”.

¿Y cómo atraviesa Mike -no todas-, pero algunas de estas experiencias? Fumando mucho porro.

‘Vivo fumando’

Mike fuma marihuana “de toda la vida”. Es un hábito y un placer que lo ha acompañado a lo largo de muchas etapas y que hoy en día también forma parte de su cotidianeidad. Pero no siempre fue el caso. De hecho, esta historia de amor empezó muy mal.

El primero que le ofrecieron, en el ‘88 u ‘89, cuando tenía unos 16 o 17 años, “lo rechazó con pavor”, según le contó al periodista Hernán Panessi en 2014 para la Revista THC.

“Me ofrecen un fasito, en Chile, un tipo en su casa, así como si nada. No, no, no, ni en pedo’. Como si me hubiesen dado hoy una pistola para matar a alguien”. Pero del miedo, se recuperó: “Soy muy curioso, todo lo que hago lo hago por curiosidad”.

Así, probó en un par de ocasiones pero, como le pasa a mucha gente, no le hizo efecto o no lo supo identificar. “Fumé como dos veces, pero no me pegó”. El primer high que recuerda patente ocurrió en la noche porteña, después de haber ya fumado varios porros. Y no estuvo nada bueno.

“Estaba en la Age of Communication, año 92, y la pasé mal. Re mal”, rememora. Sin embargo, no dejó que eso lo detuviera en su camino a la planta santa. “Le puse fuerza y corazón hasta que se linkearan, la hierba con el espíritu. Después ya me empezó a pegar hermosamente siempre”.

¿Qué beneficios creés que aporta la marihuana a tu vida?

El beneficio de la contemplación desmedida. Desde muy chico. El famoso ‘cuelgue’. Y yo que, ya de por sí soy medio colgado, imaginate: puedo pasarme 20 minutos mirando un árbol. Y todos los pájaros que se van, se meten, cantan.

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¿Qué te gusta hacer cuando fumás porro?

—Me gusta hacer zapping. Me vuelvo loco haciendo zapping. Estar re high haciendo zapping, es un programón para mí. Solo, ¿no? Estando solo.

¿Cómo pensás manejar el tema de la paternidad y el cannabis?

Con diálogo. Yo con el tema siempre decía ‘bueno, si llego a ser papá, voy a acompañar esos encuentros que tenga con la rareza, con lo oscuro, con la droga’, ¿entendés? Muy sutilmente. Primero que fumo, o sea ella está jugando y yo estoy fumando. Así que para ella es muy normal, o va a ser normal. No sé si ahora se da cuenta, pero va a ser normal. Voy a hablar muchísimo de drogas, después que ella decida si es medida. Y así, ojalá, ojalá, ojalá, ojalá tenga un contacto muy responsable con la… con la fantasía.

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